Sand. Gletscher. Fleisch.


The series embraces the overwhelming feeling of powerlessness (“Ohnmachtsgefühl”) ­one gets when thinking of all the problems in the world at once. A feeling that leaves you completely beaten and paralysed.

Photographs: various sizes, edition: 5 Wetplates: ferrotypes and ambrotypes, 13x18cm, edition: unique copy
Left: “Untitled (E. sitting)”, Vienna, 2014, ferrotype, 13 x 18 cm, edition: unique copy / Right: “Untitled (Glacier reclining), Pasterze

















"The essence of the blasé attitude is an indifference toward the distinctions between things. Not in the sense that they are not perceived, as in the case of mental dullness, but rather in the meaning and the value of the distinctions between things and therewith of the things themselves, are experienced as meaningless."

— Georg Simmel, 1903



Swoon

Artist book

Austria and UK, 2015
Hardcover, hand bound and signed by the artist
18 x 21 cm
Edition: 15
(8x cover: white, 4x cover: blue)






Die Macht der Ohnmacht
von Andreas Spiegl, 2014
(Gekürzter Text, der im Bezug auf die Wetplate-Porträts des Buches entstanden ist.)

Die Serie »swoon« von Agnes Prammer basiert auf ei­nem fotografischen Verfahren, das ins 19. Jahrhundert zurückreicht und im Zuge der technologischen Ent­wick­lungen in der Fotografie von anderen Verfahren schon im 20. Jahrhundert abgelöst wurde. Der Eindruck historische Aufnahmen vor sich zu haben, lebt in diesem Sinne von der Technik, die Agnes Prammer nun wieder verwendet, um damit zugleich die Frage nach einer Vorstellung von Zeitgemäßen zu stellen.
Im Wissen um die Entstehungszeit der Bilder, die aus dem Jahr 2014 stammen, lässt sich zumindest festhalten, dass es zeitgenössische Bilder sind, ja Zeitgenossen unserer nominellen Gegenwart. Auch wenn sie auf alten Verfahren basieren, so zeigen sie doch nur Personen, mit denen sie die Gegenwart teilen – umso mehr, als die Kleidung die jene hier tragen, auf eine Kooperation mit dem Wiener Multi-Label-Store »Sight« zurück geht.
Aktuelle Personen im Gewand modischer Aktualität ­erscheinen im Rahmen einer vergangenen Bildsprache, die Prammer wieder in die Gegenwart holt, ja aktualisiert unter den Koordinaten einer wiedergefundenen Vergänglichkeit. Was sich in den Bildern so artikuliert, ist ein hybrides Bild von Zeitlichkeit: Der Verweis auf ein telelogisches Band zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft beginnt sich zu verknoten, zu entfalten ins Bild einer Gleichzeitigkeit. In der Aura des Synchronen verlieren die Zeiten ihre Ränder und das Zeitgemäße deren Konturen. Sie gehören in die Gegenwart und gehören ihr doch nicht an; sie gehören nicht in die Vergangenheit und hören doch hin, wenn die künstlerische Geste in bildarchäologischer Manier mit den Händen ins Historische fasst. Wie damals schon handelt es sich um fotografische Nassverfahren – um Ferrotypien und Ambrotypien, die durch lichtsensible Flüssigkeiten auf Metall oder Glas fotografische Bilder hervorbringen, ja unikale Einzelbilder, die sich der Vervielfältigung ent­ziehen: Die belichtete Metall- oder Glasplatte ist zugleich das Bild, immer nur ein Unikat im Universum der Bilder, eine singuläre Spur im Horizont der Belichtungszeit. Die technischen Bedingungen der lichtsensiblen Flüssigkeit erfordern Belichtungszeiten über mehrere Sekunden hinweg, ein Innehalten des Augenblicks, der sich ins Bild einschreibt, verinnerlicht als Porträt eines Wartens auf das Vergehen von Zeit. Das bildhafte Festhalten basiert auf einem Körper, der in Ruhe versetzt wird, ja der Ruhe des Wartens ausgesetzt wird. In diesem Sinne wirkt die Technik auf den Körper zurück, verlangt ein Warten, das den Körper ins Szene setzt, in eine Pose von Dauer. Was sich in dieser Pose ankündigt, ist vielleicht der Moment einer Vorzukunft: Es wird so gewesen sein, das Bild einer Zukunft, die in der Gegenwart schon das Vergangene erkennt. Zukünftig wird das Bild, das da gerade entsteht, schon vergangen sein. Wieder falten sich die Zeitvorstellungen ineinander, gehen ineinander über in ein Bild der Synchronie, das sich immunisiert gegen das Dogma der Teleologie.
Wenn der Titel der Serie »swoon« auf die »Ohnmacht« hinweist, dann vielleicht auch auf die Ohnmacht einer Gegenwart, die zugleich mit ihrer Zukunft und Vergangenheit fusioniert, das Bewusstsein von einem Davor und Danach verliert, sich fallen lässt in den Schwindel der Zeiten. Ohnmächtig blickt nur eine Chronologie aufs chronische Kommen des Vergehens und auf die Chronik einer Wiederkehr des Gewesenen. Im hybriden Bild des Synchronen beginnt selbst das Vergehen zu vergehen, öffnet sich die Tür für ideolog­ische Blicke aufs Temporäre. Zeitgemäß erscheint daran die prekäre Gegenwärtigkeit der Gegenwart selbst. Das Bild des Synchronen fällt aus dem Rahmen, schält sich aus den Vorstellungen vom Zeitgemäßen und gibt sich unzeitgemäß, vermessen im Anspruch auf ein bloßes Hier und Jetzt, das es vielleicht nie gegeben haben wird.

Im Spiegel der Mode reflektieren diese Bilder ein Porträt des Temporären, eine Pose des Probierens, des Maßneh­mens mit den Vorstellungen, ob dieses oder jenes Kleid gepasst haben wird. Im Spiegel der Mode ­reflektieren diese Bilder ein Hybrid aus Augenblicken, die sich in den Vorstellungen von sich selbst fusionieren, Maß ­nehmen an der eigenen Identität, um das Zeitge­mäße und Unzeitgemäße darin zugleich zu befragen. Wie vermessen oder angemessen ist die Vorstellung, nicht ganz in die Gegenwart zu passen, ein Bild von Identität zu ­sehen, das gerade im Unzeitgemäßen das Zeitgemäße reflektiert, in der Synchronie von beiden?








Thoughts on „Sand. Gletscher. Fleisch.“
Agnes Prammer, 2015

The artist books embraces the overwhelming feeling of powerlessness (“Ohnmachtsgefühl”) ­one gets when thinking of all the problems in the world at once. A feeling that leaves you completely beaten and paralysed.


The series focuses not single topic or fact but on a hard-to-describe feeling: the overwhelmed feeling of powerlessness (“Ohnmachtsgefühl”) one gets when thinking of all the problems in the world at once. A feeling that leave the person completely beaten and paralysed.
The topic the books deals with are global issues that are to big to grasp at once; problems that are too big to be shown in an image or a series ­of images.

The artist book consists of three main photographic series. It contains wetplate portraits and digital photographs of landscapes and still-lifes of nature. The book mixes black and white and color photographs. Quotes and texts about the depicted topics alternate the photographs. Black pages are scattered throughout the book. The book ends in black pages.

The first chapter addresses “sand” as an issue. Unexpectedly sand – that is, sand that is suitable for construction – is a finite resource, like oil. After air and water, sand is the resource most used by men. This is because sand is the main component of concrete. The next chapter depicts reclining glaciers. It stands for climate change. The third chapter shows images of meat and meat production. It deals with the industrialization of food production and its global impact – again in a very abstract way.

Similar to some of Prammer's previous artist books (like “Totes Gebirge” or “waiting with an axe for the unknown”), her approach is very subjectively, quite abstract, essayistic and poetic. The content is hard to “read”. The bigger issues that are the foundation for each chapter don’t reveal themselves at the first glance.
By interlacing the photographs with text elements, she tries to guide the viewer towards the bigger issues behind the (abstract) photographs. Also the portraits, and espe­cially the gazes of the people, depict the feeling of powerlessness (“Ohnmachtsgefühl”). All photographed people are in the state of feeling powerless and paralysed, in which the problems of the world have overwhelmed them. They sit very still and are unable to react. They did not put up a protective wall around their feelings, but let the overwhelming problems take hold of them.
Already in 1903, the sociologist Georg Simmel wrote in his essay “The Metropolis and Men­tal Life“ about the attitude that people, who live in a metropolis, (have to) develop in order to blend out a lot of the problems around them, because otherwise they would soon go insane. He called this approach “blasé attitude”. The people in Prammer's book let go of their “blasé attitude” or have not had developed it. But it did not made them more engaged with the occurring problems, but beat them and left them unable to react at all.
But even if one of the photographed people would find a way to react, the book suggests that there are no easy solutions. Just like the issues addressed in the book are too complex to grasp in one photograph, so are the solutions.

Prammer is interested in the fact that it is hard to get people involved in issues that are not easily depicted. Her assumption is that it is easier to mobilize people to help for current natural disasters (like a hurricane or a famine) or a war, than for example the global problems of climate change. She thinks this is because it is somewhat possible to show the problems of a famine or war in a photograph, unlike issues such as climate change.
The book also deals with the fact that changing one thing usually has effects on many other things. And it is very hard to keep all of it in view, as well as predict what will happen.

The book focuses on the interplay between men and nature. This is shown the sequencing of the photo­graphs. The images go back and forth between images of ­people and nature. The portraits are scattered over the entire book. This is suppose to show the interlinkage between the two.

Prammer says: “I like how the nature photographs look, at the first glance, like quite beautiful and positive images. Their true and irreversible content is hidden underneath this layer of beauty.”

The black pages play an important part in the artist book. They provide gaps in the narrative. These gaps function as stand-ins for the many other issues that are not depicted. Also they suggest an overall pessimistic, final outcome.














Exhibition view / Ausstellungsansicht